Francisco Baptista

“Quando vês o Narcos não ficas cheio de vontade de ser narcotraficante?” dizia-me uma amiga minha. Gosto bastante da série Narcos. É entretenimento do mais alto nível e o Wagner Moura está excepcional. No entanto, a série tem um grave problema. Mas para poder escrever sobre ele tenho de recuar um pouco mais na história:

Quando qualquer cineasta decide pegar no tema do Holocausto debate-se com um grande problema: Como é que se representa o Holocausto? Como é que se põe numa “caixinha” algo tão extremo, complexo, obsceno e trágico? Há muitos estudiosos da representação do Holocausto (e eu tive um deles como professor na faculdade – foi um semestre levezinho sobre o Holocausto como podem calcular) porque há a clara consciência de que é preciso um grande sentido de responsabilidade ao tocar neste assunto. É a forma como as pessoas vão lembrar e entender algo de extrema importância.

Muito resumidamente, há duas grandes problemáticas na representação do Holocausto:

1) A objectificação das vítimas
Sempre que se mostra uma vala comum cheia de cadáveres ou uma multidão a entrar numa câmera de gás. Isso é objectificar as vítimas. É representá-las como uma massa incógnita. Homógenea. Cria distanciamento emocional.

2) A romantização dos Nazis
Um terreno altamente complexo. Por um lado, pode-se humanizar demasiado a personagem, criando empatia com o espectador. Por outro, pode-se fazer dela quase um desenho animado, como no Indiana Jones, retirando-lhe a gravidade dos actos. Por outro ainda, há o conhecido efeito psicológico sobre a atracção da audiência por vilões. Veja-se The Joker, Hannibal Lecter, Darth Vader. Sentimo-nos atraídos por vilões porque eles são capazes de fazer aquilo que nós nunca conseguiríamos/poderíamos. Reflectem o nosso lado mais negro. É altamente perigoso, numa representação do Nazismo, criar este efeito.

Isso faz-me chegar ao Pablo Escobar. Tem havido, nos últimos anos, e com ponto alto no Narcos, um processo de “cool-ificação” da figura do Escobar. A frase que a minha amiga me disse e que abre este texto faz todo o sentido. Porque a representação que é feita do Escobar cria essa imagem. Ele é omnipotente. Mas também é altamente humano com a família. A personagem é humanizada e é-lhe dado o aspecto cool de quem pode tudo. As suas vítimas são praticamente “inexistentes”. Sabemos que ele coloca bombas em todas as esquinas e que os seus sicarios matam a torto e a direito. Mas pouco mais. O lado verdadeiramente cru e duro da destruição que ele provoca nunca nos é mostrado. E quando é mostrado – como na cena em que o Escobar dança com a mulher enquanto os seus sicarios matam dezenas de polícias pela cidade – as vítimas são objetificadas e o vilão glorificado de forma cool.

Na realidade, estima-se que o Pablo Escobar tenha sido responsável pela morte de entre 5 mil a 10 mil pessoas. Dos quais 2800 polícias.
Constantemente oiço pessoas a falar do Pablo Escobar como uma espécie de herói do povo. Um empreendedor que vindo do nada chegou a 7º homem mais rico do mundo. Um ideal de self made man. Um Che Guevara/Robin dos Bosques anti poder. Não foi. Foi um assassino em massa. Mas a culpa não é de quem pensa isto. É da forma irresponsável como o Escobar é representado na cultura popular. A série, como entretenimento, continua a ser muito boa. Mas há que ter noção disto.

P.S: só vou no início da segunda temporada. Quem comentar com spoilers vai levar com a visita de um sicario.

P.S: o Wagner Moura é mesmo um grande, grande actor.

Imaginem que um amigo vosso lança um produto/serviço. Por exemplo, um festival. Se um gajo organiza um festival, alguns amigos vão tentar cravar-lhe bilhetes de borla. Visto que o sucesso de um negócio está dependente das suas vendas, as pessoas vão prejudicar o amigo ao cravarem. No entanto, se o festival for organizado por um desconhecido, já nem lhes passa pela ideia tentar cravar. Ou seja, paradoxalmente, as pessoas colocam os amigos numa situação de prejuízo em que nunca sequer ponderariam colocar um desconhecido.

Hoje estreia uma nova série da RTP – no seguimento da boa aposta da RTP em séries – chamada “País Irmão”. Depois vai estrear a “1986” escrita pelo Markl. E logo a seguir a “Criação”, uma comédia sobre uma agência de publicidade.

Em relação às 3 séries, só soube da existência delas porque sigo e/ou conheço algumas das pessoas envolvidas na produção e que postaram sobre isso. Não vi publicidade na TV porque não vejo publicidade na TV. Ou porque quando mal começa a publicidade eu olho para o telemóvel ou porque a “salto”. Em nenhuma das séries fui “alvo” de publicidade quer seja no facebook ou no instagram. E eu sou exactamente o público alvo para séries de televisão.

Logo, de que é que serve à RTP apostar (e bem) em novas formas de conteúdos se depois não faz um esforço para as publicitar nos sítios onde de facto as pessoas estão de olhos postos? E por serem séries de “género” era meio caminho andado: A 1986 é sobre os anos 80: targetting a quem segue o Stranger Things, o Nuno Markl, aqueles clássicos dos anos 80 e aquela faixa etária que sentirá a nostalgia dos anos 80. País Irmão é sobre política e jornalismo. Targetting a quem segue o House of Cards, Veep, Newsroom, etc. Ou qualquer outro tipo de séries e filmes que achem que são similares às séries em questão!

Criar novos conteúdos para ir buscar o público que se afastou da TV generalista em prol do cabo, gravações da box ou streaming online é uma óptima iniciativa. Mas para isso é preciso usar métodos que cheguem às pessoas que estão fora do alcance da esfera do canal (RTP1e2, rádios da estação e alcance orgânico do facebook do canal). É preciso investir em marketing! Por alguma razão os filmes de Hollywood têm orçamentos de marketing de valores similares aos orçamentos de produção. Porque há a perfeita consciência de que não chega só fazer. É preciso fazer chegar às pessoas.

Ainda por cima o primeiro episódio de uma série é de importância extrema. Todo o marketing, com semanas (meses?) de antecedência devia estar focado em sentar as pessoas à frente da TV para o primeiro episódio. O primeiro episódio tem de ser um “happening” de que toda a gente ouviu falar. Porque se uma pessoa só descobre a existência da série ao segundo episódio e não percebe nada da história: já foste.

A arte deve dar respostas ou criar perguntas? Creio que esta pergunta é essencial para compreender o final do Twin Peaks. Vi o final e estou há duas horas a tentar criar um fio condutor para entender o que se passou. Tenho uma interpretação que me faz sentido. Já ouvi de outras pessoas diferentes interpretações que também fazem sentido. Mas em qualquer uma delas há peças soltas que não encaixam.

No início de um filme narrativo cria-se uma interrogação na forma de um conflito. “Será que o protagonista vai conseguir X?”. Na linha americana, em 99% dos casos, o protagonista sucede. Resolveu-se o conflito. Responde-se às perguntas. Final feliz. Dá uma sensação de satisfação ao espectador.

Numa linha mais europeia (e muito portuguesa), não há especial interesse em oferecer uma satisfação final ao espectador nem finais felizes. A linha europeia, mais do que respostas, gosta de desafiar, provocar e deixar perguntas.

Neste final do Twin Peaks sinto-me dividido. Por um lado, gostava que tivesse havido respostas. Que não houve. Gostava daquela satisfação. Por outro, adoro esta sensação de estar aqui a matraquear sobre “que raio é que eu acabei de ver?!”. De tentar juntar as peças, tão confusas, e de tentar dar significado ao puzzle.

Longe de mim querer afirmar que este regresso do Twin Peaks tenha sido ou não arte. Não consigo sequer dizer se gostei tal como não consigo dizer que não gostei. Na verdade não sei bem o que dizer. Mais do que da história gostei muito de ver um criador a esticar a corda do que são os paradigmas e regras de um meio (TV). Porque estes 18 episódios podem ser acusados de tudo menos de uma coisa: de serem parecidos com alguma outra coisa que já tenha sido feita.